Arístides de Marzi compró en un remate de Ferrocarriles Argentinos estos vagones de carga de 1940. Contrató un camión de traslado y dos grúas, que se ocuparan de montarlos sobre las vías de hierro y durmientes de algarrobo originales que consiguió en un chatarrero de Tigre, y los recicló para hacerlos habitables.

Las dos formaciones –de 36 m2 cada una– se ubicaron en forma paralela, pero desplazadas, para no entorpecer las vistas y se conectan mediante una serie de rampas que forman decks a distintas alturas y emulan la figura del andén. El dueño de casa sacó a relucir sus estudios de arquitectura para encargarse en persona de su remodelación: cambió los viejos techos por planchas de chapa acanalada y cortó porciones enteras de cada vagón (como eran de carga, estaban totalmente cerrados) para sumar ventanas y puertas corredizas de aluminio. Además, pintó los exteriores de gris, se ocupó de reforzar la aislación entre tabla y tabla para evitar que se filtrara el viento y les sumó luz, agua y gas natural.

La última estrella de los establecimientos de lujo tiene un uso humilde: el papel higiénico negro. La empresa Renova lo distribuye desde que se le ocurrió a su dueño, el portugués Paulo Pereira da Silva, viendo un espectáculo del Circo del Sol. Los caminos de la inspiración son misteriosos.

“Un acróbata se descolgaba como un rollo por un lienzo de tela negra y la imagen le cautivó”, explica Lorenzo de Cárdenas, Responsable de marketing de Renova en España. “La gente de producción se echó las manos a la cabeza, ¡era una locura!”. Pero un jefe es un jefe y, tras los estudios dermatológicos y ginecológicos pertinentes, se lanzó el producto. “Ha tenido mucho éxito en hoteles y restaurantes de alta gama, porque es más que papel higiénico”, dice De Cárdenas. “Hace lo que tiene que hacer, pero además aporta imagen, trasgresión, marca”. Vamos, que es un papel molón.

El rollo es caro, sale por un euro, unas seis veces más que su soso primo blanco. Lo hay en un abanico de colores fuertes: fucsia, naranja, verde… En el hotel diseñado por Frank Ghery en las bodegas Marqués de Riscal de Elciego (La Rioja) lo tienen de color vino y en los baños de pago del Museo del Louvre en París ofrecen toda una gama de colores para que el cliente escoja con cuál limpiarse. Parece más una tienda de golosinas que un water…

En el Hotel Puerta de América de Madrid, donde cada planta ha sido diseñada por un arquitecto (entre ellos Zaha Hadid o Norman Foster) el papel solo es negro en la décima. “Fue un deseo expreso del arquitecto, Arata Isozaki“, explica Diego Fernández, Director de alojamiento del hotel, “quería continuar el estilo de sus habitaciones donde la decoración juega con el contraste del negro y el blanco”.

En los baños de mármol blanco del japonés además del papel higiénico los albornoces y las pantuflas también son negros. “Como resulta un poco extraño, por si acaso, ponemos un rollo de repuesto blanco”, explica el encargado.

Puede que sea raro de usar, pero allí donde lo colocan, aunque sean establecimientos de postín, la gente se lo lleva. En la cafetería de Collete (finísima tienda multi-marca parisina) lo retiraron porque no daban abasto con los hurtos. “Para nosotros es un orgullo”, dice el responsable de Renova, “debe de ser el primer papel higiénico que se roba por bonito”. Y añade: “En un establecimiento de lujo la diferencia son esos pequeños detalles que te alegran el día”.

Unos hosteleros graban un sello con su logo en el extremo y otros lo sujetan con una pegatina, y además de estas extravagancias, muchas cadenas  se preocupan ya de usar solo papel reciclado y que no contiene colorantes clorados… Pero no nos enrollemos, todos están de acuerdo en una cosa: Negro, blanco o color pistacho, lo más importante en una habitación de hotel es que el papel higiénico no se acabe, ¿o no?

El cineasta norteamericano Alan Berliner realizó, en el año 2001, una película llamada El sonido más dulce (The sweetest sound, 16 mm, 60 min), que consiste en un documental sobre el proceso de búsqueda y contacto de todos sus homónimos en la tierra. Una vez hallados, les propone una reunión de Alanes Berliners. Como el resto de su obra, esta película indaga, a través de la autobiografía, en los finos límites que existen entre lo propio y lo ajeno, lo individual y lo colectivo. El autorretrato, esa forma del arte siempre sospechada de narcicismo, también puede ser visto como un intento de hablar de cuestiones en común, empezando por el sujeto más cercano.

Como Alan Berliner, yo quiero hablar de mi nombre. Mi nombre y mi apellido.

El primero no me supone ningún problema, ningún conflicto ni malestar: simplemente me gusta. Me gusta su sonoridad, su carácter de homenaje a  una figura familiar misteriosa, su significado en latín (alegría), y el hecho de que en Fragmentos de un discurso amoroso, de Barthes, aparece una definición de este tipo de emoción, en contraposición a Gaudium. Laetitia sería la alegría leve, sin causa, una pequeña celebración de la felicidad de existir, mientras Gaudium es el regocijo de poseer, una plenitud que depende de la conquista de alguna cosa, persona, o estado. Supongo que, desde que sé esto, me he dejado condicionar  un poco por la idea.

En términos más prácticos, mi nombre me resulta muy cómodo porque es lo suficientemente infrecuente como para que no se preste a confusiones. Nunca tuve tocayas entre mis  compañeras de colegio, ni de facultad, ni de trabajo. Además admite un recorte, un atajo muy obvio: Leti. De niña, la inclusión de la sílaba final me quedó grabada como el sonido de la reprimenda. Si en mi casa se oía el nombre completo,  seguramente estaba en problemas. Creo que esto es un caso muy común. Y si luego reaparecía el Leti o el Letu, entonces la tormenta había pasado. Mi abuela materna, a quien no conocí, se llamaba Leticia Rosa Henze. El segundo nombre, como suena, se transforma en un adjetivo. Una mujer rosa. Lo curioso es que un pariente suyo, mucho más joven, fue apodado Leti, en el pueblo. Entonces hubo una Leti Henze, ama de casa que murió muy joven, y ahora hay un Leti Henze, odontólogo, que ha tenido algunos problemitas con la justicia  a raíz de la tenencia de “estupefacientes”.
Pero qué hermosa brevedad, la concisión maciza de ese apellido. Puede que haya un pequeño trabajo extra, que obliga a deletrear para no omitir la hache ni reemplazar la z por una s o c, pero, en comparación con El Halli Obeid, Henze parece una chispa. Muchas veces hubiera preferido un sistema en el que se heredara el apellido materno.  De hecho me llevó un tiempo considerable aprender a escribir mi nombre entero, entre primer y segundo grado del primario. Y, cuando la maestra tomaba asistencia, me embargaba una profunda vergüenza por las complicaciones que suponía decir tantas palabras para nombrar a una sola persona.  Envidiaba mucho la simplicidad de los apellidos de mis compañeros de escuela: Chiesa, Moroni, Márquez, Lanfranco, Rosano. En cualquier situación, cuando el que tomaba asistencia en un curso llegaba a la E y se trababa, yo levantaba la mano automáticamente y decía presente para abreviar el trámite. Más tarde, una profesora en la escuela de artes escribía Leticia seguido de unos dibujitos como garabatos, para no tener que deletrear. A mí me parecía un gesto bizarro, gracioso y brutal a la vez. Consecuentemente me fui haciendo muy sensible a la ortografía de los nombres, a su escritura y su sonido: Vanzetti, Garavaglia, Milatich, Bevilacqua, Weismüller, Selak; los apellidos en Noetinger, el pueblo donde me crié, podrían formar parte de El Danubio, de Claudio Magris, trazando un recorrido por la Mitteleuropa germana, serbia, croata, húngara, y el Piamonte; pero a esta lista habría que agregarle apellidos hispánicos, franceses, sajones, indígenas, criollos, y unos poquísimos árabes  y marranos-por ejemplo: Trento, Venezia . Tabucchi dice en Sostiene Pereyra, que los apellidos italianos que son nombres de ciudad, así como los portugueses que son nombres de árboles, pertenecieron a familias judías que debieron convertirse al catolicismo, o al menos camuflarse, durante la Inquisición.

El primer trabajo de mi abuelo paterno como abogado, en el año 1945, fue el juicio de sucesión de una mujer de Aldea Protestante, una población entrerriana. La difunta se llamaba Anna Lizbeth Hellroth. Siendo que ella había nacido en el siglo XIX, en el seno de una de las tantas familias de “alemanes del Volga” que llegaron a Argentina, su acta de nacimiento era previa a la existencia del Registro Civil, y estaba asentada en la parroquia del pueblo. Él contaba que después de una búsqueda minuciosa, letra por letra (ya que con su apellido no figuraba donde debía estar, o sea en la H), la encontró finalmente por la fecha de nacimiento, bajo el curioso nombre de Ana Sispeta Queruelo. El reemplazo de Anna por Ana se entiende; Sispeta por Lizbeth se explica por una cuestión caligráfica (el alfabeto alemán se modernizó ya bien entrado el siglo XX), mutaciones de la L a la S, o quizás alguna β trasplantada. Ahora bien, cómo Queruelo derivó de Hellroth, no se puede entender más que como un caso impresionante de transcripción fonética extremadamente creativa.  En una visita reciente a mi abuela, revisamos la guía telefónica actual de la provincia de Entre Ríos y no encontramos ningún rastro de Hellroth, Queruelo, o Keruelo; pero sí, curiosamente, hallamos a unos Herbel, en Aldea protestante, y a una Irma Querbel, en Nogoyá, con lo cual pensamos que quizás mi abuelo –que ya no está a mano para discutir esto- había reemplazado, en la repetición de la anécdota, a Hellroth, por Herbel, o Kerbel, que es más parecido a Queruelo, fonéticamente.

Una sorpresa parecida tuve hace unos años cuando, visitando a mi familia con un amigo alemán, le hice escuchar la versión de la cumbia “Cachete, pechito y ombligo” (o Der Nabel mit dem Nabel) reinventada por una orquesta de Strobel, otro pueblo de la zona; él me dijo que la letra estaba cantada en un dialecto alemán muy viejo, probablemente del siglo XVIII, lo cual coincide con la fecha en que muchos alemanes emigraron a Rusia por invitación de la emperatriz Catalina la Grande y que desde el siglo XIX empezaron a migrar nuevamente, por otras coyunturas políticas. Hace alrededor de una década el último grupo decidió volver -digamos volver, qué se yo- a Alemania, donde parece que la relación con la población local no es muy armoniosa. Quizás uno de los problemas, pienso ahora, sea el idioma.

Cada sustantivo propio es una geografía y merece que se le preste atención cuidadosa para que ninguna letra sea silenciada o ubicada en un lugar incorrecto. Al igual que Anna Sispeta Queruelo, no siempre estoy en la letra correcta. A veces me toca la E, otras veces la H, y otras la O, como si El Halli fuera una especie de segundo nombre, o un ornamento de la palabra principal. Casualmente lo es, como pude comprobar hace un tiempo en un viaje al Líbano. Unos parientes muy lejanos me explicaron que la latinización del nombre se hizo durante el protectorado francés (o sea que no se le puede echar la culpa a los empleados del Hotel de los Inmigrantes), y la ortografía es entonces incorrecta para otros idiomas y por eso, en general, ahora se escribiría El Hajj Obeid. El Hajj significa El peregrino, y las dos partículas solían agregarse al nombre propio de alguien que había hecho el viaje a la Meca. Obeid es un apellido muy común en el mundo árabe, pero con estas dos palabras previas estaría señalando la peregrinación hecha por algún antepasado, sacrificio que bendice también a los descendientes. Les pregunté por qué una familia de cristianos ortodoxos tenía entonces un apellido musulmán.  De hecho, durante la guerra civil libanesa que enfrentó a cristianos y musulmanes entre 1975 y 1990, se limitaron a llamarse Obeid, para no ser señalados por ninguno de los dos bandos.  En cuanto al origen, me contaron una historia bastante inverosímil, que involucraba a algún antepasado nuestro  y  a un turco  ­-llegado de Trípoli a este pueblito en la montaña llamado Amioun, en el esplendor del Imperio Otomano- y, que en una especie de desafío levantando una piedra muy enorme, legó su nombre al oponente, de apellido Aissa. Pucha, pensé, Aissa o Isa (por Isaías), también hubiera sido mejor negocio. De más está decir que en mi familia, exceptuando a una tía abuela nonagenaria, nadie sabe pronunciarlo en árabe. Harto de estas complicaciones, el hermano de mi abuelo decidió acortar el apellido a Obeid, y entonces tuvo que atravesar una larga cadena de trámites y rehacer toda la documentación legal, tanto suya como de su esposa e hijos. Con esto, mis primos tienen ahora, por apellido, el nombre de una cultura que existió hace 5000 años en una zona de Sudán, donde todavía existe una ciudad llamada El Obeid. Como si dijéramos Córdoba.

He llegado a darme cuenta de que para mí, mi nombre de pila corresponde a mi rostro; el apellido en cambio es el cuerpo: El por la cabeza, Halli por el torso, Obeid por los miembros. Esta interpretación casi automática me dio la pauta del mucho platonismo barato que aún tengo que desalojar de mi mente ya que así dispuesto el nombre sería como uno de esos retratos de Ingres, en los que la cara es lo más nítido, y el cuerpo se va desvaneciendo, un recurso muy propio del dibujo romántico. Mis compañeros de la facultad encontraron una síntesis muy bonita y me llamaban, a secas, Elali, palabraun poco andrógina quizás, pero con la dulzura de los diminutivos.

Pero también le atribuyo a esas incomodidades que mi apellido me causa cotidianamente, el origen de mi fascinación por la traducción como tarea imposible, siempre incompleta, siempre cambiante. La traducción, en su versión más ortodoxa, parte de la creencia en que hay contenidos absolutos, palabras que pueden ser convertidas de un sistema al otro, como si fuesen números que siempre mantienen su identidad inamovible. En cambio, en la traducción como la practicamos cotidianamente, hay un juego entre palabras, imágenes, sonidos, sistemas, donde la pérdida que se ocasiona en una sutil fisura del sentido abre una brecha para que crezcan otras cosas. La asociación entre elementos no del todo parecidos ni distintos, nos enseña que hay razonamientos que se escapan tanto a la linealidad como a la circularidad, analogías donde la novedad aparece en ramas que brotan solas, siguiendo patrones imprevistos para hibridarse, volviéndose así un terreno que se fertiliza por la mezcla y no por la purificación. La historia de los nombres propios es una historia de escondites, luchas por la supervivencia, diluciones y mezclas, batallas perdidas y ganadas, modificaciones, adaptaciones y también desapariciones. Como si fueran rodajas que muestran, en el corte longitudinal, un estado de cosas, una historia, y un posible futuro.

Esto que el lenguaje sabe y despliega, a la ciencia le ha llevado mucho más tiempo incorporar. Hoy se puede convenir, sin mucha discusión, en que el concepto mismo de raza es insostenible –y no sólo por las atrocidades cometidas en nombre de esa palabra, sino también porque los mapeos del ADN humano ya lo han comprobado; aunque también podría pensarse que a causa de aquellas atrocidades la ciencia tuvo que cambiar su punto de vista al respecto- y quizás esta sea la única posición ética interesante en relación a la identidad: mezcla, movilidad, cambio y continuidad, todo junto y en convivencia, es eso que somos.  O, como dice Magris, “el origen, inalcanzable y siempre inseguro, significa poco. (…)Todas las genealogías se remontan al big bang.”

Nancy Lis García, Silvia Goyanes y Mirta Aranguren, tres investigadoras argentinas que unieron su talento para desarrollar un plástico ecológico que no destruyera al medio ambiente. Con esa idea comenzaron a experimentar con el almidón de mandioca y el maíz para obtener un film biodegradable, el cual les permitió ganar el Premio Iberoamericano a la Innovación y el Emprendimiento y la no despreciable suma de 20 mil euros, que serán destinados a comprar equipos que necesita el grupo de investigación. Los orígenes del proyecto se remontan a una colaboración entre el laboratorio de Polímeros y Materiales Compuestos, del Departamento de Física de la Facultad de Ciencias Exactas y Naturales de la Universidad de Buenos Aires, y el grupo de Ecomateriales del Intema, de la Facultad de Ingeniería de la Universidad Nacional de Mar del Plata. “El grupo de Mar del Plata se especializa en celulosa y nosotros en nanopartículas, así que lo que hicimos fue unir el conocimiento de ambos grupos. Viajamos todo el tiempo de Buenos Aires a Mar del Plata, y viceversa, cada vez que necesitamos cualquier elemento de los laboratorios donde trabajamos”, contó la ingeniera química Nancy García, quien está adelantando el Doctorado en Ciencias y Tecnología de los Materiales, con mención en química de la Universidad Nacional San Martín. Esta innovación es su proyecto de tesis doctoral, y consiste en que, a partir del almidón de mandioca, se fabrica una película o film, al que luego se le incluyen nanopartículas o nanocristales de almidón de maíz. “El resultado es un gel que se coloca a evaporar y del que se obtienen láminas, cuyas características son: ser maleables, transparentes, incoloras y comestibles”, sostuvo García. “La gran ventaja de este plástico ecológico es que logra desintegrarse en la tierra en siete días, por lo que reemplaza a la perfección a las bolsas plásticas que se usan en los supermercados, y lo mejor es que no contamina el suelo. Hemos hecho pequeños sobres para contener café, frutas, cereales, polvo de detergente y hasta cosméticos. Pero el material no sólo se podría utilizar en bolsas, también se aplicaría para obtener embalajes que recubran alimentos o para fabricar pastillas o cápsulas que contengan fármacos”, señaló García al ser consultada por Hoy. Este proyecto necesita ayuda económica para pasar de la etapa de laboratorio a la etapa industrial, por eso piensan comprar equipos que simulen la maquinaria de polímeros sintéticos utilizada a escala industrial. “En la actualidad, tenemos un convenio en Francia con el Instituto Politécnico de Grenoble, que trabaja con Pagora, la escuela de las ciencias del papel, de la comunicación impresa y de los biomateriales. Con ellos intercambiamos conocimiento entre ambas instituciones”, concluyó García.

Fuente: aen - argentina en noticias

Ronan y Erwan Bouroullec, los hermanos más conocidos del diseño francés, no creen en santificar las fiestas sino en celebrar los días de diario. Así, su nueva vajilla Ovale quiere ser como las mejores vajillas, para siempre, pero también parecerse a las más sencillas: sirviendo para todos los días.

Además de para siempre, estos diseñadores creen que los mismos platos deben servir para todo: desayuno, té, café, fiesta o cena. Y que una casa contemporánea no tiene espacio para apilar varias colecciones de cuencos en una cocina pequeña. ¿Cómo debe ser una vajilla para ser la única en una casa? ¿Cómo combinar vida diaria y excepción festiva?

Ni redonda ni cuadrada ni mucho menos ondulada, los franceses han diseñado platos y fuentes de cantos redondeados para la empresa italiana Alessi. Los recipientes y los cuencos buscan cierta originalidad, poca, la que le permita a la vajilla quedarse para siempre y la que evite que canse a la vista o se deteriore con el uso diario. Así, más que una forma llamativa han trabajado una expresión delicada, y más que las piezas tradicionales, han preferido fragmentar los recipientes para adaptarse a varias tradiciones culinarias y para que se pueda emplear tanto en comidas y desayunos informales como las dos veces al año que se viste la mesa para grandes celebraciones.

Todos los recipientes diseñados son, naturalmente, apilables. Todos: los cuencos están pensados para caber unos dentro de otros, también las soperas y hasta la panera. Se trata de ocupar el menor espacio en el armario y de crecer luego, desplegada, cuando se pone la mesa.

Los Bouroullec comparan a la productora italiana de la vajilla con la fábrica de chocolate de Willy Wonka: un lugar maravilloso donde Alberto Alessi produce diseños dulces, lúdicos, a veces irónicos y casi siempre icónicos. Alessi es así. Pero también tiene una colección con piezas como de lista de boda actualizada, -esto es para toda la vida-, donde figura esta nueva vajilla. Los platos de los Bouroullec no participan del juego colorista que invita a regalar y consumir elementos de cocina como si se tratara de caprichos de temporada. “No es dulce, pero es delicada”, explican. Y así es: formalmente contenida y casi primitiva en sus formas elementales. Así, esta vajilla de gres nace cosmopolita, amplia de miras: con platillos para salsa de soja, cuencos de varios tamaños, contenedores cubiertos y piezas de doble uso, como el platillo para la taza de té -que puede emplearse para el pan- o las ensaladeras -que sirven también para servir helados-. Apta para lavavajillas y con piezas sueltas (paneras y fruteros) de acero inoxidable, la vajilla Ovale quiere dignificar la cena de los días laborables. Y busca que sentarse a comer sea fácil y agradable. Un asunto más de disfrute que de supervivencia.

Por: Anatxu Zabalbeascoa

George Nelson lo tenía claro, para él el diseño era la expresión plena de lo que una cosa es o hace:

“Los mejores diseños realizados por el hombre son objetos supervivientes simplemente porque lidian con la vida y la muerte en lugar de hacerlo con consideraciones de marketing”.

El arte útil del diseño busca sacar jugo a la industria para lograr una vida más cómoda, sencilla, pragmática y, por todo ello, más hermosa. Entre el gusto por decorar y el arte de reducir, el diseño ha apostado tradicionalmente por la segunda opción. Esa búsqueda de la esencialidad que caracteriza el mejor diseño es también una constante que aparece y desaparece en la historia del arte. Y en la de la arquitectura. Las épocas de crisis pueden abrir una puerta a ese tipo de diseño simple, básico, fundamental que suele regresar infalible tras los hartazgos, excesos y, también, los mayores riesgos.
En la última década, sucesivas muestras han indagado en la tranquilidad de lo esencial: de Las cosas cotidianas del Instituto Mathildenhöhe de Darmstadt (1976) a Obras maestras humildes del MoMA. El diseño esencial es el que, al margen de modas y de nuestro propio gusto, rodea nuestra existencia con placidez y anonimato. Un tipo de diseño que sin recibir atención especial permanece, más allá de temporadas, durante décadas o incluso siglos.
Suele haber dos tipos de usuarios-compradores: quienes compran huidas (o fantasías) y tratan de maquillar la realidad y quienes limitan el consumo y evitan distracciones. El límite del consumo puede ser una primera aproximación al mundo de los objetos esenciales y la reducción, el “menos pero mejor” que, desde Braun, defendía Dieter Rams. La clave está en que ese menos no se perciba como un sacrificio sino como un logro. Al fin y al cabo, dar con la solución más sencilla a cualquier problema mueve a la humanidad. Desde esa óptica, un buen objeto es ése del que esperamos algo más que el mero cumplimiento de una función. Pero también aquel que echamos de menos cuando no está y en el que, sin embargo, apenas reparamos cuando sí está. Muchas veces el mejor diseño es aquel que, muerto de éxito, ha pasado a ser un objeto anónimo. O a dar nombre a todos los de su estirpe.
En los últimos años, Apple ha recuperado las formas básica (plana, cuadrada o rectangular)  ligeramente redondeada por las esquinas que Dieter Rams eternizara en Braun. El diseñador japonés Naoto Fukasawa cree que esa forma “de tostada” es una forma feliz, racional pero humana, mecánica e industrial, pero cercana, ordenada, pero no rígida. La muestra alemana “La esencia de las cosas”  ha destacado 158 de esos objetos ya sin fecha de caducidad. Más allá de los anónimos como la esponja, el abanico de papel, los palillos chinos o la huevera de cartón, apuntamos la fecha de invención de algunos. La lista está llena de sorpresas.

1-La pastilla Maggi. Sal y proteína animal o vegetal compactada con forma cúbica y envuelta en papel de aluminio. La empresa Maggi la lanzó en 1908.

2-La pila alcalina. Fue ideada por Paul Schmidt en 1896 para la empresa Duracell de Mönchengladbach.

3-El 6 pack. El tiempo ha demostrado que la manera de transportar latas de refrescos o cervezas ideada por Jules Poupitch en 1958 es tan ingeniosa como peligrosa. Con mínimo gasto material (un plástico troquelado con círculos un poco menores que el diámetro de las latas) no hay packaging más económico y esencial. Pero cuidado, si esos círculos se abandonan no sólo contaminan, se convierten en una trampa mortal para aves y peces. (Ver película Happy Feet).

4-La bola de billar es un invento de John Wesley Hyatt (1869).

5-El Smiley. Harvey Ball pintó la cara amarilla y sonriente a un pin para mejorar el ambiente en una compañía de seguros norteamericana. Corría el año 1963.

6-Lego. Fue Ole Kirk Christiansen quien desarrolló este juego de construcciones modulares fabricado industrialmente en madera en 1932 y por primera vez en plástico en 1949. La forma actual no se patentó hasta 1958. Su nombre, Lego, deriva del danés: leg godt (juega bien).

7-La goma elástica, las de las antiguas cajas de zapatos. Fue ideada por Stephen Perry en 1845.

8-Rollo de papel higiénico. El papel data de la segunda mitad del XIX. Pero el primer rollo lo fabricó la compañía Hakle, para mercado europeo, en 1928. No ha sido superado.

Los grandes centros urbanos del mundo se esfuerzan en promover el uso de los trenes subterráneos como el medio de transporte más eficiente y rápido, e invierten millones de dólares en la construcción o ampliación de las redes, con el objetivo de evitar la enorme afluencia de automóviles a las ciudades y así tratar de controlar la contaminación y el atascamiento de tránsito que generan.

[...]

La mayoría de las redes de subterráneos fueron diseñadas para cumplir con la función de transportar mucha gente rápidamente de un sitio a otro. Pocas de ellas fueron proyectadas teniendo en cuenta algún estilo estético. Sólo algunas ciudades tuvieron esa intención, entre ellas Moscú, Estocolmo y Bruselas. Pero fue el metro de Montreal que en los años ‘60 tuvo un rol precursor en la integración del arte a la arquitectura subterránea.

Desde que se tomó la decisión de construirla, el objetivo fue crear la red de subterráneos más moderna y bella del mundo. La intención era que funcionara como una ‘‘galería de arte’’ subterránea, un paseo artístico abierto al público. Para lograr esto una de las consignas dadas por el director del Servicio de Urbanismo de la Ciudad del momento, era que se debía contratar a diferentes arquitectos para el diseño de cada estación de esta manera cada una tendría un diseño único.

En la primera etapa, los arquitectos diseñaban sus estaciones teniendo en cuenta que debían dejar un espacio para exponer una obra de arte que no sería seleccionado por ellos, sino por una oficina del gobierno designada para ese fin. Estas obras serían murales, vitrales o cuadros que evocarían acontecimientos históricos de la ciudad, y el criterio estético se inclinaba a las obras de estilo figurativo. Esto fue generando controversia entre los equipos de arquitectos y artistas que participaban del proyecto. Ellos buscaban integrar las diferentes disciplinas en el diseño de las estaciones incorporando todo tipo de estilo artístico, y no limitarlo a un estilo o a una temática en particular.
Fue entonces que cuando a mediados de los años 1970 se comienza con la segunda etapa de prolongación de la red, se modificaron estas consignas y se les dejó total libertad a los estudios de arquitectura de trabajar con los artistas de su elección. Las obras de arte ya no estarían agregadas a los elementos arquitectónicos existentes sino que serían creadas al mismo tiempo y en armonía con el entorno.

Como resultado cuando uno circula por las estaciones, percibe enseguida que tienen una utilización del espacio que normalmente no vemos en otras redes de subterráneos. Se diseñaron grandes espacios abiertos que permiten la entrada de la luz natural, en algunos casos la luz llega hasta las plataformas. El uso de los colores y los materiales que revisten las paredes no sólo hacen de terminación de la superficie sino que es usado como material para esculturas y grabados. También el mobiliario utilizado como bancos relojes y artefactos de iluminación están diseñados para integrarse con todo el resto de los elementos. Hasta el logotipo de la red del Metro fue integrado al diseño de alguna de ellas. Así es que cuando entramos a las estaciones de metro de Montreal se puede ver una construcción armónica, diseñada para mirar, para sorprender, para disfrutar.

Diseñar los espacios públicos teniendo en cuenta la relación con sus usuarios además del aspecto estrictamente funcional, es algo que no siempre es contemplado, pero sin embargo ayuda a poder disfrutar de los lugares comunes y no pasar por ellos indiferentes, como si fueran males necesarios.

El ilustrador alemán Werner Kruse, alias ‘Robinson’, documentó pormenorizadamente el Nueva York de los años sesenta. Hoy, sus minuciosos dibujos revalidan su vigencia en un libro que revela una mirada única

Año 1961. John F. Kennedy acaba de jurar su cargo como presidente de Estados Unidos. La Unión Soviética inaugura la carrera espacial colocando al primer hombre en órbita. Nace Barack Obama en Honolulú. De un presidente a otro, la historia de la nación que domina el planeta ha dado muchas vueltas. Sin embargo, algunos de sus iconos permanecen imperturbables. Vista hoy, la ciudad de Nueva York no dista mucho de aquella. Ni siquiera se dibujaban aún en su paisaje las trágicamente desaparecidas Torres Gemelas, cuya construcción se anunció ese mismo año.

Es en ese momento también cuando en Berlín se levanta el muro de la vergüenza. El ilustrador Werner Kruse, artísticamente conocido como Robinson —en homenaje a Robinson Crusoe, el libro ilustrado que le animó a dibujar—, abandona la escindida capital alemana que lo vio nacer y aterriza por primera vez en la urbe que nunca duerme. El flechazo es instantáneo. El resultado de su febril pasión ha quedado recogido en un libro editado originalmente en 1967 y recuperado ahora por la editorial Electa bajo el título Nueva York trazo a trazo. Desde Wall Street hasta Broadway.

Robinson, enamorado de la fotografía, necesitaba ir un paso más allá en su reflejo de la realidad. Sus dibujos buscaban sublimar los estudios arquitectónicos de Walker Evans o las series documentales de Berenice Abbott. Como salido de la célebre película de Roger Corman estrenada en la época, se transformó en el hombre con rayos X en los ojos. Un estilo también bautizado “panorámicas exploratorias” que recorría la ciudad registrando meticulosamente cada detalle con la pluma.

En su obra no falta detalle. Del Manhattan de día al Manhattan de noche, de los lujosos hoteles de Park Avenue a la Bolsa de Wall Street, de los restaurantes hip del Greenwich al desfile de carnaval de Chinatown, del antiguo Metropolitan Opera House a la pista de patinaje en el Rockefeller Center, del interior del MOMA al del Radio City Music Hall, del escaparate de Tiffany’s en la Quinta Avenida al apartamento de John Lennon… Nada escapa a la paciencia y el virtuosismo de Robinson. Ni siquiera la vertiginosa sensación de quien sube por primera vez al Empire State y pierde la perspectiva en un mar de metal, cemento y vidrio. En palabras de Christopher Bonanos, de New York Magazine, el volumen que nos ocupa “se ha convertido en el ¿Dónde está Wally? para urbanitas adultos. El Wally en cuestión es la ventana de tu casa”.

Martin Handford, autor de los libros de Wally, es uno de los reivindicadores confesos de esta obra, cuyo sutil impacto quedó sepultado por la explosión del pop-art. Según el hijo de Robinson, Peter Kruse, “actualmente, con la proliferación de programas de diseño gráfico como Freehand o Illustrator, el estilo de mi padre resulta más evidente e inspirador que nunca, aunque en realidad son muy pocos los que lo han adoptado con precisión”. Uno de ellos es Matteo Pericoli, autor del prefacio del libro. El milanés afincado en Nueva York lo evidencia en tomos consagrados a su skyline o portadas como la que le encargaron Beastie Boys para su disco To the 5 Boroughs (2004). Pericoli, que considera esta ciudad “el objeto artístico más generoso de cuantos existen”, reflexiona así sobre el proceso creativo de Robinson: “No pretende reflejar la realidad en sí, sino contarla. Del mismo modo que un escritor escoge cada palabra, Robinson no coloca ninguna de sus líneas al azar: desde las que sitúa en el centro de la composición hasta las del borde de la imagen son fruto de una decisión meditada”.

“Lo primero que dibujó mi padre al llegar a Nueva York fue Central Park”, recuerda Peter Kruse. “Tomaba apuntes del natural y después pasaba días enteros trabajando obsesivamente encerrado en el estudio”. Su vástago aún conserva buena parte de una colección de hasta 150.000 ilustraciones que recorren también a golpe de tinta otras ciudades como Tokio, París, Moscú y, sobre todo, Berlín. “Cuando se alzó el Muro, mi padre fue animado por el jefe de la oficina de la aerolínea estadounidense Pan-Am a marcharse a Nueva York. Él estaba siempre dibujando, pero a su llegada le supuso tal impacto que pasó varias semanas dedicándose tan solo a recorrer la ciudad, a captar su inmensidad mentalmente, a mezclarse con su bullicio. Lo cierto es que su amor por esta urbe nunca eclipsó el que sentía por Berlín, donde desarrolló la mayor parte de su obra”.

Al igual que la del emblemático Saul Steinberg, dibujante habitual del New Yorker e influencia fundamental en su trazo, la carrera de Robinson no empezó en EE UU. Antes del declive de la gran manzana bajo la desastrosa administración del alcalde John Lindsay —que tomó el cargo en 1965—, Robinson regresó a casa, a Berlín occidental. “Trabajó para periódicos y revistas de aquí. De hecho, si hoy soy periodista se lo debo a él”, cuenta su hijo.

Su cometido inmediato fue captar la identidad mutilada de la capital alemana. Metro a metro, deambuló a lo largo del Muro, realizando bocetos; detallando cada balazo, cada ventana tapiada, cada alambre de espino. “Desde las torres vigías, los guardias del este le vigilaban con prismáticos y le amenazaban con el puño al aire”, relata Kruse. “También le vigilaban en el oeste. Incapaces de comprender su tarea, a menudo se le paraban al lado jeeps de los aliados a preguntarle que a qué se dedicaba. Su respuesta habitual era: ‘Necesito contar a mi manera la terrible división a la que han sometido a mi amada ciudad”.

Tardó un año y medio. El resultado, una sola cartulina de 22 metros de largo, se convirtió en un mapa plegable panorámico publicado por primera vez en 1965 y convertido por derecho propio en el principal souvenir adquirido por los visitantes de la capital de la guerra fría. En 1990, tras la caída del Muro, se reeditó como recordatorio para las nuevas generaciones.

Después sería el primer artista occidental en recibir el encargo de realizar un mapa detallado de Moscú. En 1994, a los 83 años, falleció en su estudio de Berlín, dibujando. Muchas de sus obras desaparecieron en su velatorio, a manos de allegados. Una parte aún puede contemplarse en el Museo Märkisches de Berlín.

Homosexualidad en el Pentágono, represión sexual en Líbano, narcotráfico en México y Colombia.- Las viñetas en Internet se han convertido en una forma de denuncia para grupos sociales, colectivos de artistas y hasta gobiernos

Soldado Howard, me han informado que se le ha visto participando en un acto homosexual. Considero que esta información es verosímil, así que le tendré que informar de sus derechos de acuerdo con el artículo 31….

-Señor, pero no entiendo.. ¿De qué trata todo esto?

-Soldado, se le asignará un abogado y tendrá que hablar con él sobre sus preferencias sexuales. Ya no podrá servir en el Pentágono.

Un tema tabú del que no se hablaba hasta la administración de Barack Obama y ahora da la vuelta al mundo en forma de cómic: los homosexuales no pueden servir en las Fuerzas Armadas estadounidenses. Es la política del “No preguntes, No digas nada” (Don’t Ask, don’t tell).

El sargento Howard es un personaje de Ethan Persoff, el creador de Cómics con Problemas, un archivo de viñetas online en el que distintos artistas estadounidenses y organizaciones le exponen problemas sociales. Bajo el título “Escoge un problema”, ofrece decenas de cómics que con bastante humor hablan sobre el consumo de drogas, el aborto, el acoso sexual o el Sida. Todo lo que es considerado popularmente como un problema está en el archivo de Persoff, un estudiante de periodismo, graduado en arte, que hace cinco años empezó a compilar cómics “problemáticos”, como él los denomina.

Algunos eran copias de folletos gubernamentales que pretendían concienciar sobre el uso de anticonceptivos o la caza de animales, pero eran olvidados poco después de su lanzamiento. Así que este universitario de 26 años decidió hacer un “archivo de historia” con viñetas de denuncia que siempre estuvieran presentes. “Ilustramos procesos reales y nos reímos de ellos. No es sólo hacer una denuncia sino demostrar lo absurdo que son ciertas situaciones como la política contra los homosexuales en el Ejército”, explica Persoff. Asegura que la viñeta del soldado Howard ha dado la vuelta al mundo y, con numerosos apoyos, ha servido como medida de presión contra la política de género del gobierno estadounidense. “Hacemos conciencia social de una manera que a veces tiene mucho más impacto que las campañas tradicionales”; añade en entrevista por email desde Austin, Texas.

Internet significa no borrar. Es un archivo de memoria virtual, que permite que los temas tabú no caigan en el olvido. Así lo pensaron las creadoras de las Aventuras de Salwa, una guapa mujer libanesa que se dedica a pelear con todo hombre que la llega a hostigar sexualmente. Desde hace unos meses, Salwa es la heroína de Líbano, alguien que esconde sus superpoderes en el bolso. Una gran feminista que lucha contra el acoso sexual. Fue una de las primeras campañas que surgieron en Internet para concienciar a las mujeres que han sufrido este tipo de violencia en ese país, animándolas a denunciar, algo que hasta hace unos años era impensable.

“El cómic se está convirtiendo en una forma de activismo social y a través de las redes sociales puede llegar a más personas. La idea no es hacer un cómic artístico, sino uno de denuncia”, explica Farah Nasawiya, una de las creadoras de la viñeta desde Líbano. Salwa nació en Facebook y es hermana de otros cómics creados por mujeres que denuncian injusticias sociales. Antes de Salwa existía Maalak y antes de ella, estaba Maya, otras jóvenes libanesas que se enfrentan a milicianos para impedir otra guerra civil o buscan un cambio social en materia de género.

Desde el tradicional Joe Sacco, que empezó a dibujar viñetas sobre la guerra en la franja de Gaza hace 25 años, hasta Persépolis 2.0 que recrea en la red los dibujos de la famosa novela gráfica y denuncia las protestas contra el régimen iraní de Mahmud Ahmadineyad, el cómic online se ha convertido en una herramienta contra la censura. A través de dibujos animados que representan a personas víctimas de violencia o que se burlan de debates sociales como la homosexualidad y la prostitución, se enseña como lidiar con problemas cotidianos en un escenario de ficción-realidad.

Esa fue la idea de Payman y Sina, dos jóvenes exiliados iraníes que crearon Persépolis 2.0 para que el mundo entero supiera lo que sucedía en su país. Debajo de cada viñeta viene la frase “Apoya a los iraníes, difunde la palabra”. Cómic e Internet es igual a denuncia global, una protesta que llega desde Estados Unidos hasta la India y que está al alcance de todos en la red.

Los gobiernos también vieron que a través del cómic se podía concienciar a la población sobre los problemas sociales. En México y en Colombia se empezaron a distribuir viñetas contra el narcotráfico el año pasado, cuyos dibujos están basados en fotografías reales y tratan de mostrar una cruel realidad en forma de caricaturas. Dibujos en los que buenos y malos luchan contra la distribución de drogas.

Olimpita también ha dado la vuelta al mundo para contar el “infierno del maltrato y la inmigración”. Sus creadores, los peruanos Hernán Migoya y Joan Marín crearon a Ass, un senegalés sin papeles que vive en Barcelona y a Olimpita, una andaluza que es maltratada por su marido Carmelo. Ambos se hacen amigos y cuentan sus respectivas realidades. “Ass representa a cualquier inmigrante que sufre por encontrar trabajo y adaptarse a la sociedad española y Olimpita es como todas las mujeres que se callan el maltrato”, dicen sus creadores.

Javier Gamboa, un argentino de 35 años, se dedica a cazar historias de migración por Internet. Así nació Ulises, un africano que, como el personaje de la Odisea, ha cruzado tierra y mar para llegar al sur de España en busca de una vida digna. “No se trata sólo de hacer dibujos, lo que queremos es que la gente reflexione sobre lo que contamos”, afirma Javier. Y agrega: “Un cómic sin conciencia, simplemente no tiene sentido”. Ulises se creó como un cómic mural en Córdoba. Llegará a la web este mismo año.